□刘元举

中国交响乐团（原中央乐团）建团七十周年的节点，是由两场颇具对照感的“现场”共同构成的：一场是北京音乐厅的《荣光与回响》专场音乐会，七首精心编排的曲目串起七十载峥嵘岁月，新老两代艺术家同台演绎，台下满目银发听众，皆是与乐团相伴半生的故人，国家级院团的深厚底蕴与艺术风骨展露无遗；另一场在北京和平街十一区的中央乐团旧址，音乐会次日，承载了几代音乐人青春记忆的五层灰楼将拆除重建，盛夏烈日下的院落里，站满了老一辈艺术工作者，旧居将逝、新厦将生。

新旧更迭是时代发展的必然，但镌刻在岁月里的交响情怀不会磨灭。站在七十年的节点回望，我们看到的不该只是一个乐团的荣光，更是整个中国交响行业的成长标本。从1956年中央乐团破土而出，到如今全国专业乐团近百支、业余团体上千支，七十年间行业规模扩张的背后，也伴随着发展路径的分化与深层问题的累积。

薪火初燃：奠定行业基准与使命

1956年的新中国万象更新、生机勃发，传统锣鼓欢庆式的文艺形式，已难以满足民众日益多元、不断提升的精神文化需求。交响乐作为包容度极强的艺术形态，成为当时高雅艺术市场发展的重要方向，中央乐团应运而生，成为新中国第一支国家级交响乐团，也为整个行业确立了最初的专业基准。

提及乐团初创之后迎来的黄金时代，李德伦是绕不开的艺术拓荒者、奠基人之一。年少时我便在黑白荧幕上初识这位指挥家：敦实沉稳的身姿，配合极具感染力的指挥肢体，几乎是一代人对中国交响乐的最初印象。建团之初的中央乐团，汇聚了国内顶尖的文艺人才：指挥领域有李德伦、严良堃、韩中杰、秋里四大名家；器乐领域盛中国的小提琴，刘诗昆、殷承宗、巫漪丽的钢琴，都是行业标杆；管乐声部更是奠定了国内行业根基，双簧管奠基人章棣和、单簧管张仁富、大管首席刘奇、小号首席陈嘉敏各有所长；八十年代后，薛苏里、梁大南、刘云志等一批青年小提琴演奏家先后进入乐团，日后接续成长为乐队首席，刘秉义、罗天婵、臧玉琰等歌唱家亦以深厚唱功享誉业界。

这批艺术家不仅擦亮了国字号乐团的金字招牌，更搭建起了国内首个建制完备、体系成熟的交响艺术体系——标准三管交响乐队、专业合唱团、独唱独奏组一应俱全，既能驾驭大型交响曲目，也能胜任合唱、重奏等多元演出形式，兼具专业性与包容性。若将中国交响乐的发展比作一条长河，中央乐团便是奔涌在前的潮头，此后数十年间，国内许多新建交响院团在建制标准、人才培养路径、创作演出方向上，以这一时期的中央乐团为重要参照。它自诞生起，便在时代的要求下肩负起双重使命：既要接轨国际专业水准，也要探索本土化的表达路径——而这些，至今仍是整个行业需要面对的核心命题。

遍地开花：行业创作与发展的现实思考

历经数十年发展，中国交响乐事业呈现遍地开花的蓬勃态势，各级各类演奏团体数量持续增长，专业乐团覆盖广泛，民营乐团、院校乐团及社会文艺团体不断扩容，市场活力持续释放。民营乐团的兴起丰富了基层文艺供给，推动交响乐走向大众、拓宽艺术普及边界，成为行业发展的有益补充。但乐团发展形态多元参差，运营模式各不相同，既有完全依托市场自主运营的成熟团队，也有依靠政策扶持维持运转、编制灵活松散的社会性乐团。部分市场化乐团演出频次高、定价灵活，在活跃文化市场的同时，也存在低价竞争、业态参差的问题，一定程度上影响行业发展质态与良性生态建设。

当下，国家与地方对本土交响乐作品的扶持力度空前。各级政府专项资助、文艺评奖、文化艺术基金持续发力，每年扶持大量原创交响新作。但据笔者观察，行业普遍还存在“重创作、轻传播，重首演、轻延续”的问题。即便遵照国家艺术基金“单作品不少于十场演出”的硬性要求完成展演，曲目依旧难以留存、难以普及，无法真正走进大众视野。时至今日，《梁祝》《黄河》依旧是中国交响乐最具代表性、演出频次最高的传世经典，数十年无人超越。而源源不断的原创新作，始终难以突破圈层沉淀为经典。

纵观各大乐团年度演出季，西方经典曲目占据九成以上份额，本土原创优质作品寥寥无几。国内原创作品量产有余、精品不足，难以形成可持续的精品创作体系。

反观海外交响行业，不少欧美国家通过政策引导，要求乐团演出季本土作品占比不得低于三分之一，全力扶持本土艺术创作、传承民族文化特色。

诚然，国内也不乏兼具东方意境与现代技法的优质原创作品。比如谭盾的《卧虎藏龙》组曲、徐振民的交响诗《枫桥夜泊》、陈其钢的《悲喜同源》等作品，深耕中国传统文化内核，融入东方禅意美学，结合现代交响创作手法，匠心独运、格调高远。假以时日，相信也会成为经典。

中国交响乐的本土化，是需要几代音乐人接续深耕的漫长事业，绝非一朝一夕之功。《梁祝》之所以能成为跨越时代、走向世界的经典，正是源于创作者扎根民族文化、深耕艺术匠心的坚守。衡量本土作品成功与否，从来不是唱片发行数量、国内展演场次，而是能否进入世界主流乐团的常态化演奏曲库、真正站上世界交响舞台，传递中国声音、彰显中国气派。

经费短缺也是制约地方乐团发展、影响本土创作的一个痛点。交响乐本是高投入、重配置的高雅艺术，场地维护、乐器保养、人员薪酬、曲目排练皆需充足资金支撑，堪称“烧钱的艺术”。国内大多乐团依托国家资金扶持，发展态势稳健；但大量省市地方乐团常年举步维艰、入不敷出。乐手薪资待遇参差不齐，音乐专业人才不断涌现，但行业岗位资源有限，人才竞争较为激烈。此外，行业发展过程中，还需进一步营造公平的创作展演环境，让青年人才拥有更多凭专业实力崭露头角的机会。不少青年演奏者演奏技艺扎实，如果能进一步加厚人文素养与文化积淀，也会为个人艺术事业带来更大提升。

深耕沃土：培育交响乐的知音土壤

交响乐进入中国百年来，多数人始终陷入认知误区：将交响乐简单等同于乐器、曲目、演奏技法的引入，却忽略了其背后完整的交响乐文化体系。

真正的交响乐文化，涵盖职业化的人才培养体系、规范化的乐季编排、深度化的作品解读、成熟的院团运营模式、浓厚的艺术审美氛围，以及专业的观众圈层。发展中国交响乐，既不能生搬硬套西方院团机制、全盘西化，也不能故步自封、墨守成规，应当立足本土、兼容并蓄，在借鉴国际先进经验的基础上，打造中国特色交响文化，用交响乐讲述中国故事、传递中国精神。

近年来，笔者曾多次随团赴欧洲巡演，最深切的感受，便是中外交响文化氛围与观众素养的差距。海外交响舞台的主要受众，多为常年深耕艺术、深谙交响文化的资深观众。演出前后，观众如同奔赴盛会，老友相聚、从容交流，氛围雅致庄重。这种沉浸式、延续性的艺术交流，持续滋养着观众的审美素养，构建起完整、成熟、可持续的交响文化生态，让艺术欣赏不止于一场演出、一段旋律。

观众，从来都是交响乐文化不可或缺的重要组成部分。一流的乐团，必然有一流的观众相辅相成、彼此成就。有一次乐团在某个城市演出，乐曲演奏至静谧舒缓的段落，全场屏息凝神、沉浸其中，观众席突然爆出一阵剧烈咳嗽，声响突兀刺耳，瞬间打破舞台氛围，令指挥与全场观众猝不及防。幸亏执棒的指挥经验丰富、从容有度，并未中断演出，待全曲结束，他温和风趣地寄语全场观众：交响乐欣赏讲究礼仪与分寸，热烈激昂的乐章中，你再大的咳嗽打喷嚏都不会影响演奏的，但到弱奏的段落，任何突兀声响都会破坏作品意境，希望大家要咳嗽得憋着点儿，实在憋不住，要选择声音高响的时刻再出声。一番话，引得全场大笑，也让众人懂得了交响乐欣赏的仪式感与敬畏心。

中国交响乐自上海工部局乐团、哈尔滨“老哈响”起步，至今已走过百年征程。中国交响乐团的七十年深耕，正是中国本土交响事业砥砺前行的生动缩影。回望百年风雨、七十载荣光，审视当下行业的繁荣与困境，亲历行业迭代变迁，笔者心中始终喜忧参半。喜的是本土交响乐遍地开花、蓬勃生长，富有民族气派的作品不断涌现，行业规模持续扩大、普及度不断提升；忧的是精品稀缺、传承乏力，本土交响文化尚未真正成型。

站在新的时代节点，回望来路、审视当下，中国交响乐该如何突破瓶颈、扎根本土、深耕精品？如何真正走出属于自己的艺术道路，铸就属于中国的交响辉煌？这是值得从业者与艺术爱好者持续思考、躬身践行的时代命题。

（作者系作家、深圳交响乐团驻团艺术家）