由北京文化艺术基金发起、宽友（北京）文化交流有限公司承办的“培源·青年戏剧人才培养及剧目孵化平台”12月17日在京举行启动仪式。作为北京文化艺术基金2019年度资助项目，该平台立足全国文化中心城市战略定位，计划以挖掘首都“一核一城三带两区”丰富内涵为出发点，每年面向全国进行两轮剧本征集，评选出具有潜力的剧本，通过导师提升、剧本朗读、联排公演等后续扶持环节，孵化一批优质剧目，以期推向市场，推动戏剧文化演出内容创新和戏剧演出市场繁荣发展。
从戏剧创作的源头和基础环节做起
北京文化艺术基金自2016年成立以来，已经累计资助项目400余项，其中近一半是舞台创作项目。然而，反观历年基金支持的各个项目，真正立得住、传得开、留得下的并不多。剧本荒、创意荒的问题是当下剧本创作一个突出的问题。北京文化艺术基金管理中心主任张鹏表示，设立“培源·青年戏剧人才培养及剧目孵化平台”就是希望从戏剧创作的源头性、基础性环节做起，扎实推进戏剧相关行业的长远发展。
此次剧本征集范围集中在舞台戏剧领域，不限定主题、题材和艺术风格，鼓励青年创作者充分展现自己的个性和创新特点，鼓励运用多种表现方式来观照现实生活。艺术类型包含话剧、音乐剧以及京剧、昆曲、曲剧、评剧、河北梆子等五大体现北京特色的传统戏剧剧种。为了让剧本创作者能够更好地成长，让剧目能够真正落地，平台将邀请业内经验丰富的编剧和中青代导演组成导师团，为优秀的创作者提供一定程度的指导。
完善的、系统的体系是推出优秀编剧和优秀剧目的保障，而能够进入市场接受检验，才是最终的目的和归宿，也是创作人才持续发展的长远动力。据宽友文化总经理高建城介绍，平台将组建由各类具有出品制作需求的文艺院团、演艺经纪机构组成的“出品人俱乐部”，以搭建成员方与创作者沟通的桥梁，帮助涌现出来的优秀剧目顺利走向市场。这一过程中，出品制作方将跟踪项目运营全程，观察每一环节的剧本表现、舞台表现，并对意向剧本抛出橄榄枝。尤其是终审阶段，所有入围剧目将以剧本朗读或排练演出的形式，直面评审专家、导师团、出品制作方以及资深话剧观众，并且接受他们的评分及评价。这一试水市场反馈的举动，一方面将使出品机构、制作人能够较为全面地感知作品效果以及明确后续制作方向，另一方面也将为他们作出正确的市场判断提供样本，增强信心。
青年戏剧人要有大胆的艺术勇气
“老百姓有一句话：‘屋顶上放风筝，出手就高一层。’今天我们所做的工作就是为放风筝而建屋。谁是放风筝的人？青年戏剧人才。我特别要强调一下是编剧。”谈及平台建设的意义，剧作家孟冰表示，在他的成长经历中，几乎每一部戏都经历过几次甚至几十次的剧本修改过程。这当中有许多问题根本不是专业性的问题，而是创作者的情感问题，是胸怀的问题，是真诚的问题，是世界观的问题，是对人生根本的态度问题，是对戏剧精神的理解问题。他希望，这个平台不仅仅是一个建筑的高度，而是一个让年轻的戏剧人才能够有更广博的视野、更宽阔的心怀、更自由的想象、更高远的追求的出发地。于是，那只丰富多彩的风筝便会从这里迎风飞舞、扶摇云霄，在蓝天与白云间去追逐它的梦想。
中央戏剧学院教授彭涛谈到，青年戏剧人才的培养是戏剧文化生态发展的动力与活力。青年戏剧人的作品或许青涩，但是却洋溢着理想主义的热情，有着对社会现实敏锐的观察、感触，有着大胆的艺术勇气。年仅23岁的曹禺创作出了他一生中最重要的作品《雷雨》，大学二年级的学生契诃夫写出了极具现代性的名著《普拉东诺夫》。当下戏剧发展不能忽视青年戏剧人的创造力。北京人艺演员冯远征认为，“剧本是戏剧的根，导演是戏剧的魂，演员是戏剧的树木，剧目是戏剧的骨头。”这些年，北京人艺也在不断思考人才荒以及接班人的问题，因为一个青年演员从培养到成熟可能需要经过10年、15年，甚至20年。“现在如果说北京人艺马上重排《茶馆》《天下第一楼》这样的大戏，我们是不是有那么多的演员呢？我可以肯定地告诉大家：有。但是我们是不是有那么多合适每一个角色的演员？我可以肯定地告诉大家：不够。”冯远征表示，青年戏剧人才的培养是我们应该时时刻刻重视的工作，而这个平台的建立可以说正逢其时。
戏剧界面临人才交替的关键时刻
戏剧评论家林克欢表示，当今世界范围内，已经不是美国的商业戏剧，而主要是欧洲，尤其是英国、德国在引领时代潮流的创新戏剧。十几年前，基本上依靠政府的大量投资，这些国家完成了各个大剧院中导演、编剧四代人才的转换。目前他们各个大剧院的艺术总监大多数都是40多岁。他们用很大的精力和资金来培训一批25岁到30岁的年轻编剧人员。他们采取剧院委约作品的形式，让这些年轻作者的作品跟观众见面。这样做的目的不在于看他们取得了多大的成功，而在于进行人才培养。中国戏剧界也面临着非常关键的人才交替的时刻。对于目前创作的疲软来说，编剧是非常重要的。而培养编剧不是一朝一夕能够做好的事情，而是应该有计划、有目标地进行。
导演王晓鹰认为，青年戏剧人才的培养要注重经典作品的成功经验和示范价值。“事实上，许多所谓的经典名著在它被创作出来的当时就是反映那个时代的现实题材的原创作品。比如易卜生的《玩偶之家》等一系列的社会问题剧，契诃夫的所有作品，阿瑟·密勒的《推销员之死》《萨勒姆的女巫》等。但是经历时间的考验之后，他们却成了传世之作、经典名著。”王晓鹰表示：“我们如何看待这些经典名著？如何学习这些经典名著？是仅仅把它们当做阅读、欣赏、羡慕、感慨的书斋之物？还是把它们当作关于戏剧规律、戏剧价值、戏剧意义的戏剧教科书，甚至是启蒙读物？不同的态度决定了这些经典名著对于中国戏剧创作的不同的影响。”
“原创戏剧作品不能只图一时风光，应该追求艺术规律之内的经典性。”王晓鹰认为，这种追求对创作者的考验是双重的，首先是深刻挖掘情感内涵和思想哲理，同时还要在艺术表达上体现出那些深刻挖掘的成果。在戏剧舞台前所未有的繁荣景象中，我们的原创作品毫无悬念会有越来越大的数量积累。虽然不可能每一部原创作品将来都成为经典，但是只有更多的创作者，更多的戏剧人都有意识的追求符合艺术规律的艺术创作的经典性的时候，才有可能在大量原创作品的基数上产生更多的精品之作。“我们今天可以做的是向经典名著学习，向世界新经典、新实验学习，向中国的新经典、新实验学习，努力用经典名著的金线编织当代原创的辉煌，包括现实题材的辉煌，以我们共同的创造追求中国戏剧艺术真正意义上的大发展。”