循序渐进在艺术创作中一直是我遵守的原则，就像看到了前面的高山却不可能一步登顶一样。艺术的道路如同登山，在艰苦跋涉的同时也享受着途中的快乐，而阶段性的成长是符合自然规律的。绘画在今天看来已不是依靠“风格”本身了，更重要的是艺术作品的质量。用什么形式作为表现的手段即“风格”，应是一件在自然中生成的事情，因为风格本身是个体精神的暴露，不是刻意追求的结果，我赞成“风格不是教出来的”这句话。具象绘画是一个很广的范畴，写实主义不是对自然的再现，我始终在寻找凌驾于客观物象之上的体验过程，而这种过程是存在于内在精神之中的，否则就会被物化。因为艺术的标准是精神升华的体验，而不是表面形式上的哗众取宠。对表现力的渴望促使我对自身感受力的培养，这种培养的过程更是艺术家必要的精神储备，善于在司空见惯中去挖掘和发现就会找到开启的钥匙。我坚信“生活是艺术创作的惟一源泉”这个道理。在绘画的表现方法上，不同时期、不同的绘画情景下经历了诸多演变，正是多种表现手段丰富和拓展了人类的精神。

明暗体系是我塑造和表现的主题，是我的兴趣和出发点，同样也是西方绘画体系的关键。每当我感受到客观物象在光照下因结构转折、前后关系等造成的明暗之差时便会产生视觉的快感，兴奋不已。通过明和暗的关系我感受到了膨胀的体积、有限和无限的空间结构以及空灵的境界和神秘的色彩。明暗可以宽容地接纳其他造型元素的介入，形成丰富的画面效果，产生种种形式表现的可能性。对明暗的敏感不是对客观事物的照搬、抄袭，而是高度提炼与概括的明暗，是在主观意念下，对画面明暗作富有审美取向的表现。这包括在光影下产生的色彩关系，一幅好作品的形式魅力取决于它的整体，以及与整体相关的所有细节。尤其是在绘画过程中便更是如此。明暗在事物中的韵律更是妙不可言。事实上光的出现才产生了明与暗，产生了色彩中的冷与暖，我们才得以看清世界。因此，明暗不仅可以用来塑造形体，更可以用于艺术的表现，对光影的控制，对氛围的营造，需要有情感有意境的明暗作为支撑，才能体现性情与精神的真迹。绘画中承载着万物中所包含的一切，因此画家们创作最多的作品都强调着人类自身，并以真诚和勇气调动我们所有的神经去触摸生命的存在。对于色彩的认识始终是以实践为基础的，色彩是油画创作的血液。既是血液就必须循环，遍布全身，在实际运用中不是看哪一块单独色彩的好看和对错，而是看这一块色彩与它的周围发生着什么关系来作为裁决的标准。色彩的生命是冷和暖，在油画创作的过程中，对生命力的体现是和形体的起伏转折相关联的，因此色彩的冷暖和明暗的变化显示着作品的品质。在欧洲考查时，看了印象派之前各时期的作品，就更能理解为什么印象派必须诞生了，在最黑暗的时刻往往预示着光明的来临。我们今天研究和表现空间中的色彩，正确认识和理解有助于对审美的定位和把握。达·芬奇说“作画时单凭实践和肉眼的判断，而不运用理性的画家就像一面镜子，只会抄袭摆在面前的东西，然而对它们却一无所知”。

对于结构、空间、色彩、明暗等诸多因素的认识不仅仅只是停留在技巧层面，因为拥有升华了的精神因素和创造性的感染力才是艺术作品的真谛，才是有生命力的作品。画家敏锐的感受力和真挚的情感进行的再创造赋于绘画以新的生命。绘画作为精神的载体承担着把客观事物转化为艺术表现的职责，而在艺术中包含着画家的修养、思想与技术的发挥，表现出画家的世界观与审美的智慧。绘画作品给予着画家的精神境界，无论是什么风格的绘画作品都体现着作者精神的烙印，展示着画家对感受力的培养过程。感受力的形成来源于一个人的生存经验、知识结构和文化判断以及天赋，这是作为艺术家必须的积累和储备。对于“感觉”，它是客观事物表象的发觉，而感受则是思想能量的体现。绘画艺术作品的表现和精神抒发是艺术家对生命体验过程的独特表达。我们生活在克隆的时代，表面的真实容易复制，而精神是要把全部的生命体验和感受倾注于此才会显现出来。缺少对生命的关注就会停留于表象而形成概念化，没有生命的表象或容易复制的表面是没有意义的表现，精神的苍白终将导致艺术生命的枯竭。而富有鲜活生命体验和艺术家独特精神感受的作品则是无法复制的。这种无法复制将预示着强大的生命力而生生不息。就油画语言本身而言，我是非常迷恋技术的人，也喜欢有技术的画家，其实做任何事情都需要技术。将技术的规则与创造的规则如何等同起来，是艺术家要完成的使命，没有精神的倾注和文化意志的技术是不能称之为技术的，只能是坠落的空壳，有句话“技术即是思想”我很赞同。我们从欧洲的绘画发展过程中可以看到，在其自身经历了诸多精神和理念转变的同时，也丰富了油画艺术的表现手段，各时期大师们的非凡创造使我们在今天有了更大领域的拓展。欧洲艺术的理性思维方式保证了大师们驾驭画面的能力。从各时期的发展过程来看，有着一条清晰的脉络，有其不变的传统精髓。与“天人合一”的东方理念相比，我更感到西方的理性和东方的感性，气韵在中国画里显得是尤为突出的，智慧、含蕴、大度、静止中却有着无穷的力量。东西文化存在着差异是无法分出谁优谁劣的，更是无法相互替代的。油画进入中国便有了“中国油画”之说，这已经很意味深长了，它体现着我们民族文化中所具备的包容性，在感受传统文化所创造辉煌的同时，会使自己更加清醒，驱使自己去触摸生活中更深刻的层面，人类的文化从来是互相交流互相影响的，不同地域的文化艺术，只要有交流的渠道， 无论路途多么艰辛，却总是有着相互渗透和影响的作用。中国文化吸收外来文化有着很强的能力，虽然是陌生的，但经过时间的消化，最终会变成自己的血肉。

一直以来我喜欢看风景，喜欢看从风景中掠过的人群，体会着在无尽头的命运之路上奔波的感觉。的确，我一直庆幸着自己的选择，画画已成为我生活的方式，是艺术让我走过了从生命记忆到精神象征的过程，用绘画的形式把生命的体验、记忆、感受，欲望等表达出来。处在转型期的中国社会，人们还在新旧两种生活方式之间，不稳定带来了许多惊慌和焦虑，这同时也加深了艺术家对社会有着某种责任。我常常游离于现实与非现实之间，是对自然生存状态的感悟决定着我审美的取向，每当我埋头于画室时，总感觉到是我最快乐的时光。重新审视绘画艺术在当代社会中的位置，更感到架上绘画的前景广阔，在图像样式进入多元化的今天，绘画的意义已变得更加重要，更具独特魅力和不可替代性。当代艺术的潮流应是多种艺术形式共同发展的新阶段，存在本身就有存在的理由。关于架上绘画有生存危机的说法，其实，看看世界各地的美术馆、博物馆在展示架上作品时，人们排起长队等候参观的场景，就足够说明一切了。在那种受媒体和各种机构所左右，受经济利益驱动而炒作形成的“繁荣”面前，是我们应警惕的。违背了艺术创作规律和原则就意味着艺术生命的终结，真诚地面对生活，才能孕育艺术的生命，才能有清晰的判断。对于我个人而言，画画便是我的生活，我不是在画画就是走在去画画的路上，乐此不疲的心境使我与绘画紧紧相连、关系亲密，彼此不分。